Tomaso Albinoni, compositor italiano del Barroco. Signo Géminis.

Tomaso Giovanni Albinoni (Venecia, 8 de junio de 1671 - ibídem, 17 de enero de 1751) fue un compositor italiano del Barroco. En su época fue famoso como compositor de ópera, pero actualmente es conocido sobre todo por su música instrumental, parte de la cual se graba con regularidad. El Adagio en sol menor que se le atribuye (realmente es una reconstrucción a posteriori) es una de las piezas barrocas con más alta aceptación entre los que gustan del periodo barroco.

Escribió una cincuentena de óperas, de las cuales 28 se representaron en Venecia entre 1723 y 1740, pero actualmente es más conocido por su música instrumental, especialmente sus conciertos para oboe.
Su música instrumental atrajo la atención de Johann Sebastian Bach, quien escribió al menos dos fugas sobre temas de Albinoni y utilizó constantemente sus bajos como ejercicios de armonía para sus alumnos.
Parte de la obra de Albinoni se perdió durante el bombardeo de Dresde durante la Segunda Guerra Mundial, con la destrucción de la Biblioteca estatal de Dresde, así que se sabe poco de su vida y su música posterior a mediados de los años 1720.
Su fama se incrementó en gran medida con la publicación del conocido como Adagio de Albinoni, compuesto en 1945 por el musicólogo italiano Remo Giazotto. Publicado por primera vez en 1958 por la editorial Casa Ricordi, el editor lanzó como argumento de venta que el autor se había basado en unos fragmentos de un movimiento lento de una sonata a trío para cuerdas y órgano de Tomaso Albinoni presumiblemente encontrados en las ruinas de la Biblioteca de Dresde tras los bombardeos de la ciudad acaecidos en la Segunda Guerra Mundial. La obra fue compuesta por Giazotto basándose supuestamente en el fragmento que pudo rescatar de la partitura original, en el que apenas se apreciaba el bajo continuo y seis compases de melodía. Sin embargo, una prueba seria de la existencia de tales fragmentos no ha sido nunca encontrada; por el contrario la «Staatsbibliothek Dresden» ha desmentido formalmente tenerlas en su colección de partituras

Adagio in G Minor (Albinoni)

Obras publicadas

Op. 1 (1694): 12 Sonate a tre
Op. 2 (1700): 6 Sinfonie & 6 Concerti a cinque
Op. 3 (1701): 12 Balletti a tre
Op. 4 (1702): 12 Cantate da camera a voce sola
Op. 5 (1707): 12 Concerti a cinque
Op. 6 (h. 1711): 12 Trattenimenti armonici per camera
Op. 7 (1715): 12 Concerti a cinque
Op. 8 (1722): 6 Balletti & 6 Sonate a tre
Op. 9 (1722): 12 Concerti a cinque
Op. 10 (1735/36): 12 Concerti a cinque

Obras sin número de Opus

36 Sonate (Sonate da camera, da chiesa, Balleti e Canoni) a tre
18 Sonate a due
6 Sonate a cinque
42 Concerti a cinque

Óperas

Zenobia (1694)
Il prodigio dell'Innocenza (1695)
Zenone (1696)
Tigrane (1697)
Primislao (1697)
L'ingratitudine castigata (1698)
Il Radamisto (1698)
Diomede punito da Alcide (1700)
L'inganno innocente (1702)
L'arte in gara con l'arte (1702)
La Griselda (libreto de Apostolo Zeno, 1703)
La fede tra gl'inganni (1707)
Elio Seiano (1707)
Astarto (1708)
Pimpinone (intermezzo, 1708)
Tradimento tradito (1708)
Engelberta (1709)
Ciro (1709)
Il tiranno eroe (1710)
Il Giustino (1711)
Alarico (1712)
Amor di figlio non conosciuto (1715)
Il vinto trionfante del vincitore (1717)
Eumene (1717)
Cleomene (1718)
I veri amici (1722)
Gli eccessi della gelosia (1722)
Ermengarda (1723)
Eumene (libreto de Apostolo Zeno, 1723)
Laodice (1724)
Antigono (1724)
Scipione nelle Spagne (libreto de Apostolo Zeno, 1724)
Didone abbandonata (libreto de Pietro Metastasio, tragedia, 1724)
Alcina delusa (1725)
Lucio Vero (1725)
Il trionfo d'Armida (1726)
L'incostanza schernita (1727)
Le due rivali in amore (1728)
Il concilio dei planeti (serenata, 1729)
Elenia (1730)
Li stratagemmi amorosi (1730)
Il più fedel tra gli amanti (1731)
Ardelinda (1732)
Candalide (1734)
Artamene (1740)

Martha Argerich play Chopin "Polonaise N°6 l'heroique". Pianista del signo Géminis.

Martha Argerich, pianista argentina de música clásica, considerada una de los mayores exponentes de su generación. Signo Géminis.

Martha Argerich (Buenos Aires, 5 de junio de 1941) es una pianista argentina de música clásica, considerada una de los mayores exponentes de su generación y la posguerra. Especialmente célebre por sus interpretaciones de Frederic Chopin, Franz Liszt, Johann Sebastian Bach, Robert Schumann, Maurice Ravel y Serguéi Prokófiev.

Comenzó a estudiar piano desde muy pequeña, y en 1945, con sólo cuatro años de edad da su primer recital público. En su primer concierto formal a los ocho años de edad, interpretó el Concierto para piano y orquesta n.º 20 en re menor, K. 466, de Mozart, y comenzó a estudiar con Vicente Scaramuzza (también maestro de Bruno Gelber, entre otros).
A principios de 1954, el presidente argentino Juan Domingo Perón la recibió en la residencia presidencial:
"Yo tenía un poco más de 12 años, había tocado en el Teatro Colón, y Perón me había dado una cita en la residencia presidencial. Mamá preguntó si podía acompañarme y le dijeron que sí, por supuesto. Yo no era muy peronista; me acuerdo de que siempre estaba pegando por todos lados papelitos que decían «Balbín-Frondizi». Perón nos recibió y me preguntó: «¿Y adónde querés ir, ñatita?». Y yo quería ir a Viena, para estudiar con Friedrich Gulda. A él le gustó que no quisiera ir a Estados Unidos. Lo más cómico fue que mi mamá, para congraciarse, le dijo que a mí me encantaría tocar un concierto en la UES [Unión de Estudiantes Secundarios]. Y parece que yo debo haber puesto una cara bastante reveladora de que la idea no me gustaba, porque Perón le empezó a seguir la corriente a mamá, diciéndole «por supuesto señora, vamos a organizarlo», mientras me guiñaba un ojo y, por debajo de la mesa, me hacía con un dedo que no. Él la estaba cargando a mamá y a mí me tranquilizaba. Se dio cuenta de que yo no quería. Fantástico, ¿no? Y le dio un trabajo a mi papá. Lo nombró agregado económico en Viena. Y a mamá le dijo que le parecía que ella también era muy inteligente, emprendedora y capaz y le consiguió otro puesto en la embajada".

Desde 1954, en Viena (Austria), Argerich estudió durante dieciocho meses con Friedrich Gulda -quien ha sido su más influyente maestro-. Después estudió en Ginebra con Madeleine Lipatti y Nikita Magaloff. Luego fue alumna de Stefan Askenase y María Curao, y en 1960 fue alumna de Arturo Benedetti Michelangeli.
Martha Argerich ha contraído matrimonio tres veces: la primera con Robert Chen, padre de su hija mayor, Lyda. Desde 1969 a 1973 estuvo casada con el director de orquesta Charles Dutoit, que continúa haciendo grabaciones y conciertos con la pianista, y con quien tuvo a su segunda hija, Annie. Su tercer marido fue el pianista Stephen Kovacevich, padre de su tercera hija, Stephanie.
Uno de sus amigos más cercanos es el pianista brasileño Nelson Freire, que la acompaña frecuentemente en dúos de piano.
Argerich reside habitualmente en Bruselas.

En 1957, ganó dos prestigiosos concursos de piano con tres semanas de diferencia. Más tarde, en 1965 obtuvo el primer premio en el Concurso Internacional de Piano Frédéric Chopin, reconocida por sus interpretaciones de Chopin y Liszt.
En varios reportajes Argerich ha remarcado su sentimiento de soledad en el escenario durante la interpretación, y -quizá por ello- realizó muy pocos recitales de piano solista después del 1980, enfocándose en conciertos para piano y orquesta, música de cámara y acompañamiento instrumental en sonatas.
Ha sido reconocida especialmente por sus interpretaciones de compositores clásicos del siglo XX, tales como Serguéi Rajmáninov, Olivier Messiaen y Serguéi Prokófiev. Una de sus grabaciones más notables reúne al Concierto para piano n.º 3 de Rachmaninov con el Concierto para piano n.º 1 de Chaikovsky.
Obtuvo tres premios Grammy, en los años 2000, 2005 y 2006.
Anualmente en el Teatro Colón de Buenos Aires se lleva a cabo el Festival Martha Argerich, en el cual se ofrecen conciertos por músicos e intérpretes de diferentes partes del mundo, y además se celebra un concurso de piano en el cual Argerich a menudo preside el jurado.

Premios y reconocimientos

1965 - Premio internacional Competición de piano Frederick Chopin, primer premio.
1989 - Premio Konex de Platino, mejor pianista de la década (1980-1989).
1999 - Premio Konex de Brillante, personalidad más destacada de la música clásica de la década (1990-1999)
2000 - Premio Grammy al mejor solista instrumental con acompañamiento de Orquesta: Charles Dutoit (director), Martha Argerich y la Orquesta sinfónica de Montreal por Serguéi Prokófiev: Concierto para piano n.º 1 y Concierto para piano n.º 3 y Bela Bártók: Concierto para piano n.º 3'
2005 - Premio Grammy a la mejor interpretación de música de cámara: Martha Argerich y Mijaíl Pletniov por Cenicienta, suite para dos pianos (de Serguéi Prokófiev, con arreglos de Pletnev) y Ma mere l'oye (de Maurice Ravel).
Premio Asociación Japonesa de las Artes.3
2006 - Premio Grammy al mejor solista instrumental con acompañamiento de orquesta: Claudio Abbado (director), Martha Argerich y la Orquesta de Cámara Mahler por Conciertos para piano n.º 2 y 3 (de Beethoven).

The Firebird Suite (1965) / Igor Stravinsky · New Philharmonia Orchestra. Músico del signo Géminis.

Ígor Stravinski, compositor y director de orquesta ruso, uno de los músicos más importantes y trascendentes del siglo XX. Signo Géminis.

Ígor Fiódorovich Stravinski (en ruso: Игорь Фёдорович Стравинский) (Oranienbaum, 17 de junio de 1882 – Nueva York, 6 de abril de 1971) fue un compositor y director de orquesta ruso, uno de los músicos más importantes y trascendentes del siglo XX.
Su larga existencia —murió cuando iba a cumplir los 89 años— le permitió conocer gran variedad de corrientes musicales. Resultan justificadas sus protestas contra quienes le tildaban como un músico del porvenir: "Es algo absurdo. No vivo en el pasado ni en el futuro. Estoy en el presente". En su presente compuso una gran cantidad de obras clásicas abordando varios estilos como el primitivismo, el neoclasicismo y el serialismo, pero es conocido mundialmente sobre todo por tres obras de uno de sus períodos iniciales —el llamado período ruso—: El pájaro de fuego (L'Oiseau de feu, 1910), Petrushka (1911) y La consagración de la primavera (Le sacre du printemps, 1913). Para muchos, estos ballets clásicos, atrevidos e innovadores, prácticamente reinventaron el género. Stravinski también escribió para diversos tipos de conjuntos en un amplio espectro de formas clásicas, desde óperas y sinfonías a pequeñas piezas para piano y obras para grupos de jazz.
Stravinski también alcanzó fama como pianista y director, frecuentemente de sus propias composiciones. Fue también un escritor; con la ayuda de Alexis Roland-Manuel, Stravinski compiló un trabajo teórico titulado Poetics of Music (Poética musical), en el cual, dijo una famosa frase: "La música es incapaz de expresar nada por sí misma".Robert Craft tuvo varias entrevistas con el compositor, las cuales fueron publicadas como Conversations with Stravinsky(Conversaciones con Stravinski).
Esencialmente un ruso cosmopolita, Stravinski fue uno de los compositores y artistas más influyentes de la música del siglo XX, tanto en Occidente como en su tierra natal. Fue considerado por la revista Time como una de las personalidades más influyentes del siglo XX.

CATÁLOGO DE OBRAS
Año Obra Tipo de obra Duración
1898 Tarantella, para piano Música de piano
1902 Scherzo, para piano Música de piano
1902 Romance, para voz y piano Música vocal (piano) -
1904 Sonata en Fa sostenido menor, para piano Música de piano
1907 Sinfonía en Mi bemol Música orquestal -
1907 El fauno y la pastora, para mezzosoprano y orquesta Op. 2 Música vocal (orquesta) -
1907 Pastorale, para soprano y piano Música vocal (piano)
1908 Quatre Etudes, para piano Op.7 Música de piano
1908 Scherzo fantastique Música orquestal -
1908 Fuegos artificiales Música orquestal -
1908 Dos melodías for mezzosoprano y piano Op.6 Música vocal (piano)
1910 Dos poemas de Paul Verlaine, para barítono y orquesta Op.9 Música vocal (orquesta) -
1910 El pájaro de fuego, para orquesta Ballet
1911 Petrushka, para orquesta Ballet
1911 Dos poemas de K. Balmont para voz y piano o orquesta pequeña Música vocal (piano)
1912 El rey de las estrellas, para coro de hombres y orquesta Música coral -
1913 Trois poésies de la lyrique japonaise para voz y piano (for voice o orquesta de cámara) Música vocal (piano)
1913 Trois petites chansons, para voz y piano (o orquesta pequeña) Música vocal (piano)
1913 La consagración de la primavera (Le sacre du printemps), para orquesta Ballet
1913 [La consagración de la primavera] para dos pianos Música de piano
1914 El ruiseñor Música de escena
1914 Vals de las flores, para dos pianos Música de piano
1914 El Ruiseñor para solistas vocales, coro y orquesta Ballet
1914 Tres piezas para cuarteto de cuerdas Música de cámara -
1914 Pribaoutki, para voz, flauta, oboe, clarinete, fagot, violín, viola, violonchello y contrabajo Música vocal
1915 Trois pièces fáciles, para dos pianos Música de piano
1915 Souvenir d'une marche boche para píano Música de piano
1916 Renard Ballet
1916 Berceuses du Chat, para contralto y tres clarinetes Música vocal
1916 Burleske, para cuatro pantomimas y orquesta de cámara Música de escena
1917 Le chant du rossignol [El canto del ruiseñor] Música orquestal -
1917 Pour Pablo Picasso, pieza para clarinete Música solista (clarinete) -
1917 Canon para dos trompas Música solista (trompa) -
1917 Cinco piezas fáciles, para dos pianos Música de piano
1917 Estudio para pianola, pieza para pianola Música de tecla -
1917 Valse pour les Enfants, para piano Música de piano
1917 Tres cuentos para niños, para voz y piano Música vocal (piano)
1917 Cuatro canciones campesinas rusas, Para voz femenina sin acompañamiento Música vocal
1918 Berceuse, para voz y piano Música vocal (piano)
1918 Dueto para dos fagots Música solista (fagot) -
1918 [Historia de un soldado] Música de escena , para grupo de cámara y tres narradores.
1918-19 Quatre chants russes, para voz y piano Música vocal (piano)
1919 Piano Rag Music, para piano Música de piano
1919 Suite para Historia de un soldado, para violín, clarinete y piano Música de cámara -
1919 Tres piezas para clarinete Música solista (clarinete) -
1918 Quatre études,Op. 44 para orquesta Música orquestal -
1920 Sinfonía de instrumentos de viento Música orquestal -
1920 Suite para Pulcinella, para orquesta Música orquestal -
1920 Pulcinella, para orquesta de cámara y solistas Ballet
1920 Chorale,Op.48 para piano Música de piano
1920 Concertino para cuarteto de cuerdas Música de cámara -
1921 Suite No. 2, para orquesta de cámara Música orquestal -
1921 Les Cinq Doigts, para piano Música de piano
1922 Mavra (con libreto de Borís Kojno basado en una obra de Aleksandr Pushkin) Música de escena
1923 Las bodas (Les noces) Música de escena
1923 Octeto, para instrumentos de viento Música de cámara -
1924 Sonata, para piano Música de piano
1925 Serenade, para piano Música de piano
1925 Suite No. 1, para orquesta de cámara Música orquestal -
1925 Concierto para piano e instrumentos de viento Música orquestal -
1926 Pater Noster Música coral Op.61 -
1927 Edipo rey Op. 62 Música de escena
1928 Apolo musageta, para orquesta de cuerdas Ballet
1928 El beso del hada (Le Baiser de la fée), para orquesta Ballet
1929 Capriccio, para piano y orquesta Música orquestal -
1930 Sinfonía de los salmos Op.65, para coro y orquesta Música coral -
1931 Concierto para violín en Re Op.66 Música orquestal -
1932 Duo concertante para violín y piano Música de cámara -
1933 Perséfone, para narrador, solistas, doble coro y orquesta Ballet
1933 Pastorale, para violín y piano Música de cámara -
1933-44 Suite Italiana (de Pulcinella), Op.70 para violín o violonchelo y piano Música de cámara -
1934 Divertimento para orquesta, Suite de El Beso del hada Música orquestal -
1935 Concierto para dos pianos Música de piano
1936 Jeu de cartes, para orquesta Ballet
1937 Preludium for jazz band Música orquestal -
1938 Concierto en Mi bemol (Dumbarton Oaks), para orquesta de cámara Música orquestal -
1938 Petit ramusianum harmonique, para voz solitaria o coro Música vocal
1940 Sinfonía en Do Música orquestal -
1940 Tango, para orquesta de cámara (1940/1953) Música orquestal -
1940 Tango, para piano Música de piano
1942 Circus polka, para orquesta Música orquestal -
1942 Danses concertantes, para orquesta de cámara Música orquestal -
1942 Four norwegian moods, para orquesta Música orquestal -
1943 Ode, para orquesta Música orquestal -
1943 Sonata para dos pianos Música de piano
1944 Elegy, para solo de viola Música solista (viola) -
1944 Babel Música de escena
1944 Scherzo a la russe, para orquesta Música orquestal -
1944 Scènes de ballet, para orquesta Ballet
1945 Sinfonía en tres movimientos Música orquestal -
1945 Ebony concerto, para clarinete y banda de jazz Música orquestal -
1946 Concierto en Re, orquesta de cuerdas Música orquestal -
1947 Orpheus, para orquesta de cámara Ballet
1948 Mass Música coral -
1951 La carrera del libertino Música de escena
1953 Septeto Música de cámara -
1953-54 Cantata para soprano, tenor, coro femenino, 2 flautas, oboe, corno inglés y violoncelo Música coral -
1953 Tres canciones de William Shakespeare, para mezzosoprano, flauta, clarinete y viola Música vocal
1954 Four Russian Songs [Cuatro canciones Rusas], para mezzosoprano, flauta, arpa y guitarra, versión de Quatre chants russes y de Three Tales for Children Música vocal
1954 Dos poemas de K. Balmont Música vocal
1954 In Memoriam Dylan Thomas Música vocal
1955 Canticum Sacrum Música coral -
1955 Greeting prelude, para orquesta Música orquestal -
1957 Agon, para orquesta de cámara Ballet
1958 Threni Música coral -
1958-59 Movimientos, para piano y orquesta Música orquestal -
1959 Epitaphium, para flauta, clarinete y arpa Música de cámara -
1959 Double Canon, para cuarteto de cuerdas en memoria de Raoul Dufy Música de cámara -
1960 Monumentum Pro Gesualdo Di Venosa (arreglo), para grupo de cámara Música de cámara -
1961 A Sermon, a Narrative y a Prayer Música coral -
1962 The Flood [El Diluvio] Música de escena
1963 8 instrumental miniatures, para 15 intérpretes, orquestación de Les Cinq Doigts Música orquestal -
1963 Abraham and Isaac Música coral -
1963-64 Variaciones (Variations), en memoria de Aldous Huxley Música orquestal -
1964 Fanfare for a New Theatre, para dos trompetas Música de cámara -
1964 Elegy for J.F.K., para barítono y tres clarinetes Música vocal
1965 Introitus Música coral -
1966 The Owl and the Pussy Cat, para soprano y piano Música vocal (piano)
1966 Requiem Canticles [Cánticos de réquiem] Música coral -
1967 Two Sketches for a Sonata, para piano Música de piano

Óperas

Solovey o Le Rossignol (1908-1914)
La historia del soldado (1918)
Mavra (1922)
Oedipus Rex (ópera-oratorio 1926-1927)
Perséphone (1934)
The Rake's Progress (1951)

Benny Goodman, clarinetista y director de orquesta estadounidense de jazz. Signo Géminis.

Benjamin David Goodman (Chicago, 30 de mayo de 1909 – Nueva York, 13 de junio de 1986), conocido como Benny Goodman, fue un clarinetista y director de orquesta estadounidense de jazz.
Conocido como El rey del swing, es, junto con Glenn Miller y Count Basie, el representante más popular de este estilo jazzístico e iniciador de la llamada era del swing. Una de sus canciones más famosas es "Sing, sing, sing (with a swing)", empleada en múltiples bandas sonoras y obras de teatro y musicales.

A los 16 años, en agosto de 1925, se unió a la banda de Ben Pollack, con la que hizo sus primeras grabaciones en diciembre de 1926. Sus primeras grabaciones bajo su propio nombre las realizó en enero de 1928. A los 20 años, en septiembre de 1929, abandonó a Pollack para dirigirse a Nueva York donde trabajó como músico independiente, trabajando en sesiones de grabación, espectáculos radiofónicos y en las orquestas de los musicales de Broadway. Hizo también grabaciones bajo su propio nombre con orquestas alquiladas, alcanzando grandes éxitos con "He's Not Worth Your Tears" (cantada por Scrappy Lambert) en Melotone Records en enero de 1931. Firmó con Columbia Records en el invierno de 1934 y alcanzó el top ten a comienzos de 1934 con "Ain't Cha Glad?" (cantada por Jack Teagarden), "Riffin' the Scotch" (cantada por Billie Holiday) y "Ol' Pappy" (cantada por Mildred Bailey), y en primavera con "I Ain't Lazy, I'm Just Dreamin'" (cantada por Jack Teagarden).

Todos estos éxitos y un ofrecimiento que se le hizo para actuar en el Billy Rose's Music Hall inspiraron a Goodman para organizar una orquesta permanente; su primer concierto se produciría el 1 de junio de 1934. Su grabación instrumental de "Moon Glow" alcanzó el primer lugar en julio y consiguió dos éxitos más con los temas instrumentales "Take My Word" y "Bugle Call Rag". Tras unos meses en el Music Hall, firmó por el programa radiofónico Saturday night Let's Dance de la NBC, tocando la última hora de las tres que duraba el espectáculo. Durante los seis meses que estuvo en el programa, consiguió seis éxitos más con Columbia, y otros cinco más con RCA Victor, su siguiente compañía.
Tras dejar el programa de radio, Goodman emprendió una gira nacional en el verano de 1935. No fue especialmente exitosa hasta que llegó a la Costa Oeste, debido a que sus actuaciones en el programa de radio habían podido ser oídas a una hora más temprana que en la Costa Este. Su actuación en el Palomar Ballroom cerca de Los Ángeles el 21 de agosto de 1935 fue un éxito espectacular, recordado como el comienzo de la era del swing. Se trasladó durante seis meses a vivir al Congress Hotel en Chicago, empezando en noviembre. En 1936 compuso 15 éxitos, entre los que estaban "It's Been So Long", "Goody-Goody", "The Glory of Love", "These Foolish Things Remind Me of You" y "You Turned the Tables on Me" (todos cantados por Helen Ward). Se convirtió en el protagonista de la serie radiofónica The Camel Caravan, que duró hasta finales de 1939. En octubre de 1936 la orquesta hizo su debut cinematográfico en la película The Big Broadcast de 1937. El mismo mes, Goodman empezó a vivir en el Pennsylvania Hotel en Nueva York.
El siguiente gran éxito de Goodman en febrero de 1937 lo consiguió con la participación como cantante de Ella Fitzgerald y como trompetista de Harry James. Fue el primero de seis grandes éxitos durante ese años, entre los que estaban "This Year's Kisses" (cantado por Margaret McCrae). En diciembre, la orquesta apareció en otra película, Hollywood Hotel.

Benny Goodman Orchestra Sing Sing Sing from Hollywood Hotel

Concierto en el Carnegie Hall

El punto más alto de popularidad de Goodman se alcanzó el 16 de enero de 1938 cuando dio un concierto en el Carnegie Hall; a lo largo de ese año consiguió numerosos éxitos, como "Don't Be That Way" (instrumental), "I Let a Song Go out of My Heart" (cantado por Martha Tilton) y "Sing, Sing, Sing (With a Swing)", que más tarde entraría en el Grammy Hall of Fame.

Cambios en su orquesta y nuevas apariciones
Hacia 1939, Goodman había perdido a importantes músicos como Gene Krupa y Harry James, que se habían encaminado a crear sus propias orquestas; por lo demás, la competencia seria apareció con las bandas de Artie Shaw y Glenn Miller. No obstante, Goodman consiguió nuevos éxitos durante ese año, tales como "And the Angels Sing" (cantado por Martha Tilton), también situado en el Salón de la Fama Grammy. Regresó a Columbia Records. En noviembre, apareció en el musical de Broadway Swingin' the Dream, liderando un sexteto. El espectáculo duró poco, pero le proporcionó un nuevo éxito en marzo de 1940 con la canción "Darn That Dream" (cantada por Mildred Bailey). Ese año sólo consiguió tres éxitos debido, en parte, a una enfermedad que le llevó a operarse de una hernia discal. En 1941, ya recuperado, consiguió posicionar dos nuevas composiciones, una de los cuales fue "There'll Be Some Changes Made" (cantado por Louise Tobin), y regresó a la radio con su propio programa. Entre sus éxitos de 1942 estaban "Somebody Else Is Taking My Place" (cantado por Peggy Lee) y el tema instrumental "Jersey Bounce". Apareció también en la película Syncopation.
En 1943, con material grabado tiempo atrás ante la imposibilidad de grabar en esa época tras la entrada de Estados Unidos en la Guerra, Goodman consiguió dos grandes éxitos, uno de ellos con "Taking a Chance on Love" (cantado por Helen Forrest). Su tiempo libre lo empleó para trabajar en películas, apareciendo en tres durante ese año: The Powers Girl, Stage Door Canteen y The Gang's All Here.
Goodman disolvió su orquesta en 1944. Apareció en la película Sweet and Low-Down en septiembre y actuó con un quinteto en la revista de Broadway Seven Lively Arts, debutando el 7 de diciembre y alcanzado 182 representaciones. En abril de 1945 su recopilatorio Hot Jazz fue un gran éxito. Reorganizó también su orquesta, produciendo temas muy exitosos como "Gotta Be This or That" (cantado por él mismo), "Symphony" (cantado por Liza Morrow), etc. Goodman protagonizó una serie radiofónica con Víctor Borge en 1946-1947, y continuó grabando tras firmar con Capitol Records. Apareció en la película A Song Is Born en 1948 y empezó a experimentar con el bebop. A finales de 1949 disolvió de nuevo su orquesta y volvió a organizar grupos temporalmente para giras y sesiones de grabación. Murió en Nueva York, en 1986.

Leé todo sobre este artista en http://es.wikipedia.org/wiki/Benny_Goodman

Isaac Albéniz, célebre compositor y pianista español. Signo Géminis.

Asturias - Isaac Albeniz

Isaac Albéniz, nacido en Camprodón, Gerona, el 29 de mayo de 1860 empezó su vida como un prodigio —debutó como concertista de piano, con gran éxito, a los cuatro años— y tras muchas giras arriesgadas que le llevaron tan lejos de casa como están las Américas (viajes que constantemente interrumpían sus clases en el Conservatorio de Madrid), se concentró en una seria carrera de estudios en Bélgica. Con una beca que recibió del rey Alfonso XII de España, entró en el Conservatorio de Bruselas en 1876, graduándose en 1879 con un primer premio en piano, que le fue otorgado de forma unánime. Albéniz regresó a España para establecerse como un experto virtuoso; además, empezó a componer y a dirigir. Enseguida empezó como director de una compañía ambulante de zarzuelas y escribió tres zarzuelas —que no se conservan actualmente—. En 1883 se estableció en Barcelona, donde estudió composición con Felipe Pedrell. Cada vez más, Albéniz incorporaba sus propias composiciones en sus recitales. En 1885 se trasladó a Madrid donde sus trabajos fueron publicados por los principales editores musicales de aquella época: Benito Zozaya y Antonio Romero.
Antonio Guerra y Alarcón en su 1886 monográfico «Isaac Albéniz: Notas crítico-biográficas de tan eminente pianista» revela que junto a docenas de trabajos para piano y las tres zarzuelas, Albéniz compuso varias canciones: cuatro romanzas para mezzosoprano en francés, tres romanzas en catalán y un Álbum Bécquer. No existen rastros de las Romanzas, pero el Álbum Bécquer lo más probable se refiriera a las Rimas de Bécquer, posteriormente publicadas por Zozaya en 1888 (esta biografía de Albéniz ha resultado ser la fuente de graves errores y equivocaciones en la vida del compositor ya que él mismo se encargó de "decorar" su vida lo suficiente como para ser admirada por otros). De estos errores cabe destacar que Albéniz nunca conoció (y mucho menos estudió) con Franz Liszt, que nunca fue polizón en barcos que zarpaban a América y que nunca recorrió Europa viajando como un bohemio errante: sendos viajes fueron cuidadosamente planeados por su padre, Ángel Albéniz.) También en el mismo año Romero publicó las Seis Baladas. En 1889 se anunció la publicación por parte de Romero de otro grupo de canciones, Seis melodías con texto de Alfred de Musset. Sin embargo, excepto Chanson de Barberine de Albéniz, ninguna otra canción con letra de Musset ha llegado a nuestros días.
La reputación de Albéniz como pianista y compositor siguió creciendo. En la primavera de 1889 viajó a París, donde apareció en los Conciertos Colonne en una sesión que incluía su Concierto para piano, op. 78. Desde París siguió hasta Inglaterra, donde sus interpretaciones le aportaron un éxito al instante. En 1890 se puso en contacto con el empresario Henry Lowenfeld que contrató los servicios de Albéniz como intérprete y compositor. Como resultado, Albéniz se trasladó junto a su familia (su esposa Rosina y sus tres hijos) a Londres y a través de Lowenfeld finalmente se introdujo en el mundo del teatro musical. Trabajando en el Teatro Lírico y más tarde en el Teatro Príncipe de Gales, proporcionó números extras así como era necesario por sus adaptaciones de comedias musicales. Por petición de Lowenfeld, Albéniz compuso El Ópalo Mágico. Esta comedia lírica en el estilo de Gilbert y Sullivan fue estrenada en el Lírico el 19 de Enero de 1893 (fue traducida posteriormente al castellano por Eusebio Sierra y presentada en Madrid en 1895 como La Sortija; este mismo año, su zarzuela San Antonío de la Florida con libreto de Sierra fue también interpretada en Madrid).
Sus contactos teatrales en Londres llamaron la atención del poeta y dramaturgo aficionado y heredero de una fortuna bancaria de la célebre firma de Coutts and Co, Francis Burdett Money-Coutts, quien había comprado acciones y en Julio de 1894 adquirió el contrato que Albéniz tenía con Lowenfeld. Coutts, cuyo soporte financiero permitía a Albéniz vivir confortablemente el resto de su vida, estaba interesado en escribir libretos. Su colaboración con el compositor produjo Henry Clifford (estrenada en el teatro del Liceo de Barcelona en [1895]]), Pepita Jiménez (Teatro Liceo, 1896; Neues Deutsches Theater de Praga, ,1897; Monnaie de Bruselas, 1905), y Merlín (compuesta entre 1898 y 1902 pero no producida en vida de Albéniz), la primera ópera de una propuesta trilogía titulada King Arthur (Lancelot quedó incompleta en 1903, y en cuanto a Genevre, no se llegó a intentar). Por consiguiente, durante aproximadamente una década, Albéniz dedicó todo su talento y energía a la creación y producción de música para el escenario. Durante este tiempo estuvo trasladándose desde Londres a París.
En la capital francesa se puso en contacto con Vincent d'Indy, Ernest Chausson, Charles Bordes, y más tarde con Paul Dukas y Gabriel Fauré, formando estrechos lazos con la comunidad musical francesa. Desde 1898 hasta 1900 enseñó piano avanzado en la Schola Cantorum, pero a causa de su pobre salud, en 1900 regresó al cálido clima español. Empezó un arduo trabajo junto a Enrique Morera con la promoción de trabajos líricos catalanes. Cuando, sin embargo, sus esfuerzos no lograron que se produjeran sus propios trabajos teatrales, regresó a París, donde su música era aceptada, elogiada e interpretada. La residencia de Albéniz en París empezó a ser un refugio para artistas españoles (entre los que están Joaquín Turina y Manuel de Falla); aquí encontraron apoyo y ánimo por su propio esfuerzo. La preocupación de Albéniz con las formas musicales más largas produjo un cambio en su estilo composicional desde lo básicamente ligero, piezas atractivas de su temprana carrera, hacia un arte más complejo. Y aunque no dejó de interpretar, sus apariciones disminuyeron cuando empezó a dejarse absorber por la composición y producción de sus trabajos operísticos. De este periodo nos vienen las canciones Il en est de l'amour y Deux morceaux de prose de Pierre Loti (Crépuscule y Tristesse) así como esos grupos de poemas de Coutts: Para Nellie (un conjunto de seis canciones); Art thou gone for ever, Elaine; Six Songs (de las cuales solo Will you be mine? y Separated sobreviven); y Two Songs (The Gifts of the Gods y The Caterpillar). De este periodo también existe una muestra de apertura de una canción para poner música al texto de la fábula de Jean de La Fontaine "Conseil tenu par les rats" (Consejo tenido por las ratas) el fragmento que concluye una canción de Coutts, Laugh at loving, y referencias a otras canciones de Coutts para las cuales no se ha encontrado la música.
Como Coutts empezó a cansarse de escribir libretos, Albéniz poco a poco volvió al piano y a su nativo paisaje de inspiración, La Vega (1896-98) presagiando su posterior estilo, que floreció con su obra maestra Iberia (1905-1908). La textura composicional y el lenguaje que define Iberia son característicos de Quatre mélodies (de los poemas de Coutts), el último trabajo vocal y las últimas piezas completas de Albéniz. A causa de una nefritis, Albéniz murió en Cambo-les-Bains en los Pirineos Franceses el 18 de mayo de 1909.
Como curiosa historia, pocos días antes de su muerte, fue a visitarlo su gran amigo y paisano Enrique Granados. Albéniz le pidió que le tocara algo al piano y este interpretó su obra "La maja y el Ruiseñor" (obra inédita por entonces), cuando de repente tocó la barcarola "Mallorca", obra compuesta por Albéniz en un viaje que hicieron los dos a las Islas Baleares. Albéniz moriría días después, antes de que el gobierno francés le entregara la Gran Cruz de la Legión de Honor a petición de otros destacados pianistas como Fauré, Debussy o el mismo Granados. A la muerte de Albéniz, Rosina le pidió a su gran amigo Granados que terminase la última obra de su difunto esposo "Azulejos". Granados la terminó de forma impecable de tal manera que resulta muy dificil distinguir donde acaba Albéniz y donde empieza Granados. También hay que destacar dos obras para piano compuestas previamente a la Suite Iberia, que son la Suite española I y la Suite española II. Ambas obras, dada su importancia, merecen mención.
Como curiosidad, el que fuera Presidente de la Comunidad de Madrid (1995 - 2003), alcalde de Madrid (2003 - 2011) y actual Ministro de Justicia del Gobierno de España desde el 22 de diciembre de 2011, Alberto Ruiz-Gallardón es sobrino nieto de Isaac Albéniz, estando emparentado por ello con Cécilia Sarkozy, quien fuera esposa del presidente de la República francesa Nicolas Sarkozy y bisnieta de Albéniz

Richard Strauss - Also Sprach Zarathustra (1/4) - Pappano & Santa Cecilia

Richard Strauss, destacado compositor y director de orquesta alemán . Signo Géminis.

Richard Georg Strauss (Múnich, 11 de junio de 1864 — 8 de septiembre de 1949) fue un destacado compositor y director de orquesta alemán cuya larga trayectoria abarca desde el Romanticismo tardío hasta la mitad del siglo XX. Es conocido particularmente por sus óperas, poemas sinfónicos y Lieder. Strauss, junto con Gustav Mahler, representa el extraordinario florecimiento tardío del Romanticismo germánico después de Richard Wagner, en el cual un desarrollo elaborado y complejo de la orquestación se une a un estilo armónico avanzado. La música de Strauss influyó profundamente en el desarrollo de la música del siglo XX.

Música orquestal
La principal contribución de Strauss a la música sinfónica es a través de sus poemas sinfónicos, género en el que llegó a ser un maestro indiscutible. En este momento, Strauss se declara partidario de los elementos extramusicales, al escribir en 1889:
Nuestro arte es expresivo, y una obra musical que no tenga ningún contenido poético que comunicarme es para mí cualquier cosa menos música. Naturalmente, se trata de un contenido que no pueda ser representado más que con sonidos, y que con palabras sólo pueda ser sugerido.
Su primera contribución al género, la fantasía sinfónica Aus Italien op. 16 (Desde Italia, 1886) representa una transición entre su estilo juvenil y su obra madura,10 y se encuentra a mitad de camino entre una sinfonía de Música programática, al estilo de la Sinfonía fantástica de Berlioz, y el poema sinfónico propiamente dicho.
El primer poema sinfónico compuesto por Strauss fue Macbeth, basado en la obra de Shakespeare, y que tardó en encontrar su forma definitiva, siendo revisado varias veces en 1886 y 1888.
Según se ha escrito, Don Juan (1889), terminado a los 24 años, es la primera obra maestra de Strauss. Su contenido se basa libremente en la versión del mito de Don Juan que hizo el poeta austriaco Nikolaus Lenau.
Muerte y Transfiguración (1889), compuesta casi al mismo tiempo que Don Juan, se basa en una idea del propio Strauss: un enfermo recuerda su vida en su lecho de muerte, y su cuando la muerte le sobreviene, sus deseos antes no cumplidos son finalmente alcanzados.10

Las divertidas travesuras de Till Eulenspiegel (1895) constituye quizá el poema sinfónico más representativo de Strauss, y una obra excelente para conocer su estilo, a medio camino entre el humor y el lirismo. Aunque según su título está compuesto en forma de rondó, los distintos episodios de la vida del héroe picaresco popular Till Eulenspiegel aparecen minuciosamente retratados, para terminar con la ejecución del protagonista y con un último destello humororístico. Strauss no oculta su gran simpatía por el héroe picaresco, en una obra crítica y burlona.
Así habló Zarathustra (1896), es sin duda la obra más conocida de Strauss, al menos por el impactante comienzo que fue utilizado en la película 2001: Una Odisea del Espacio de Stanley Kubrick. Strauss narra musicalmente de forma libre y fantástica algunos de los pasajes de la obra de Friedrich Nietzsche, en una obra de gran impacto directo. Hay que señalar también la enorme influencia de la música de Strauss, especialmente la de sus poemas sinfónicos, en las futuras bandas sonoras cinematográficas.
Para Don Quijote (1897), su versión de la obra de Cervantes por la que sentía gran admiración, escoge nuevamente una forma clásica, en este caso las Variaciones, utilizando además dos instrumentos solistas: un violonchelo, que representa a Don Quijote y una viola, a Sancho Panza.
En Una vida de héroe (1898), narra las peripecias de un Héroe abstracto (el Campo de Batalla del Héroe, la Compañera del Héroe, etc). Este Héroe se ha identificado a veces con el propio Strauss, sin que él pareciera desmentirlo. En esta obra, compuesta para una amplísima orquesta, se acerca a sus óperas más vanguardistas por su audacia armónica.
Ya en el siglo XX, Strauss compone dos obras más, que aunque tienen el título de sinfonía pueden considerarse igualmente poemas sinfónicos por su contenido extramusical: la Sinfonía Doméstica (1903), donde nuevamente Strauss se retrata a sí mismo, esta vez en su entorno familiar, con una minuciosidad descriptiva que llega a retratar los juegos infantiles, o una disputa y una reconciliación conyugal.10 La Sinfonía Alpina (1915), una pieza de descripción de la naturaleza, en este caso de las montañas de Los Alpes, en cierta forma al estilo de la Sinfonía Pastoral de Beethoven, aunque con una inmensa orquesta y un gigantesco despliegue de medios.
Después de la Sinfonía Alpina Strauss sólo compondrá música orquestal de forma ocasional, y a menudo por razones de encargo. La suite para la obra de Molière El burgués gentilhombre (1918) es una obra arcaizante que rememora la época de Luis XIV de Francia y un buen ejemplo de lo que sería el neoclasicismo musical del siglo XX. Otras obras posteriores son el Preludio festivo (1913), el ballet La leyenda de José (1914) o la Música festiva (1940) compuesta para conmemorar el 2600 aniversario del Imperio del Japón.10
En sus últimos años, Strauss vuelve al género concertante, que no había cultivado desde su juventud, en una serie de obras compuestas a modo de entretenimiento en sus vacaciones, que no obstante recuperan parte de la emoción de muchas obras anteriores y al mismo tiempo vuelven la mirada hacia atrás con nostalgia, sobre todo al clasicismo de Mozart, como en el Concierto para trompa número 2 (1942), el Concierto para oboe (1945) o el Concertino para clarinete y fagot (1947).
Strauss termina la composición de Metamorfosis en 1945. Se trata una obra para 23 solistas de cuerda, y aunque comparte características con las últimas obras mencionadas, es además un lamento por el desenlace de la Segunda Guerra Mundial y la destrucción de la cultura alemana. La partitura termina con una cita de la Marcha Fúnebre de la Sinfonía número 3 “Heroica” de Beethoven, acompañada por las palabras “In memoriam”. Está considerada como una de las últimas obras importantes de la Música del Romanticismo.

LEÉ SU EXTENSA OBRA EN: http://es.wikipedia.org/wiki/Richard_Strauss

Lalo Schifrin & BBC Bigband -" Mission: Impossible" Excelente músico de Géminis.

Lalo Schifrin, excelente pianista, arreglista, director y compositor argentino.Signo Géminis.

Boris Claudio Schifrin, conocido como Lalo Schifrin, nacido en Buenos Aires el 21 de junio de 1932, es un pianista, arreglista, director y compositor argentino de música clásica, jazz y música popular. Sus mayores éxitos los ha obtenido con bandas sonoras para cine y televisión, incluyendo la de la serie Misión: Imposible.

Animado por su padre, violinista sinfónico, Lalo comenzó a tocar el piano a los 6 años. Cursó su secundario en el Colegio Nacional de Buenos Aires. En 1952, entró a estudiar en el Conservatoire de Paris y participó de la vida jazzística nocturna parisina (a la que era muy aficionado entonces el escritor argentino Julio Cortázar).

Tras regresar a Buenos Aires, Schifrin formó una big band. En 1956 conoció al trompetista Dizzy Gillespie, quien venía acompañado de Quincy Jones, ambos compartieron un encuentro fortuito en el que improvisaron junto a Schifrin y su joven amigo Astor Piazzolla.

Gillespie luego le encargaría que escribiera para él. El trabajo fue una suite de cinco movimientos, titulada Gillespiana, que terminó en 1958.

Ese año, se convirtió en el arreglista del músico español Xavier Cugat.

En 1960, se trasladó a Nueva York y se unió al quinteto de Gillespie que, tras grabar "Gillespiana", obtuvo un gran éxito. Schifrin se convirtió en el director musical de Gillespie hasta 1962.

A partir de ese año, se centró en su carrera como compositor y director, casi siempre con una orientación de jazz latino y de bossa nova; acepta, además, en 1963 su primera colaboración con el mundo del cine. Schifrin se traslada a Hollywood, consiguiendo grandes éxitos con sus temas para series como Starsky y Hutch (1975-76), Misión Imposible (1966) y Mannix.

Durante la década de los setenta, escribió la música para películas como The Cincinnati Kid, Bullitt, Cool Hand Luke, Harry el sucio y Enter the Dragon.

Como músico de jazz, escribió la suite "Jazz Mass" en 1965, y se aproximó al funk jazz con su disco de 1975 Black Widow. Continuó con su trabajo para el cine a lo largo de la década de los noventa.

Grabó, además, una serie de discos de jazz orquestal llamados Jazz Meets the Symphony y se convirtió en el principal arreglista para Los Tres Tenores, llevándole a su actual interés por la música clásica.

Richard Wagner, Ride of the Valkyries. Músico del signo Géminis.

Richard Wagner, grandes músicos de Géminis.

Richard Wagner, con nombre completo Wilhelm Richard Wagner (Leipzig, Reino de Sajonia, Confederación del Rin, 22 de mayo de 1813 – Venecia, Reino de Italia, 13 de febrero de 1883), fue un compositor, director de orquesta, poeta, ensayista, dramaturgo y teórico musical alemán del Romanticismo. Destacan principalmente sus óperas (calificadas como «dramas musicales» por el propio compositor) en las que, a diferencia de otros compositores, asumió también el libreto y la escenografía.

Inicialmente fundamentó su reputación como compositor en obras como El holandés errante y Tannhäuser que seguían la tradición romántica de Weber y Meyerbeer. Transformó el pensamiento musical con la idea de la «obra de arte total» (Gesamtkunstwerk), la síntesis de todas las artes poéticas, visuales, musicales y escénicas, que desarrolló en una serie de ensayos entre 1849 y 1852, y que plasmó en la primera mitad de su monumental tetralogía El anillo del nibelungo. Sin embargo, sus ideas sobre la relación entre la música y el teatro cambiaron nuevamente y reintrodujo algunas formas operísticas tradicionales en las obras de su última etapa, como en Los maestros cantores de Núremberg.

Las obras de Wagner, particularmente las de su último periodo (que se corresponden con su etapa romántica), destacan por su textura contrapuntística, riqueza cromática, armonía, orquestación y un elaborado uso de los leitmotivs (temas musicales asociados a caracteres específicos o elementos dentro de la trama). Wagner fue pionero en varios avances del lenguaje musical, como un extremo cromatismo (asociado con el color orquestal) o la ampliación del cosmos armónico a través de un continuo desplazamiento de los centros tonales, lo que influyó en el desarrollo de la música clásica europea.
Su ópera Tristán e Isolda se describe a veces como punto de inicio de la música contemporánea. La influencia de Wagner se extendió también a la filosofía, la literatura, las artes visuales y el teatro. Hizo construir su propio teatro de ópera, el Festspielhaus de Bayreuth, para escenificar sus obras del modo en que él las imaginaba y que contienen diseños novedosos. Allí tuvo lugar el estreno de la tetralogía del Anillo y Parsifal, donde actualmente se siguen representando sus obras operísticas más importantes en un Festival anual a cargo de sus descendientes. Los puntos de vista de Wagner sobre la dirección orquestal también fueron muy influyentes. Escribió ampliamente sobre música, teatro y política, obras que han sido objeto de debate en las últimas décadas, especialmente algunas de contenido antisemita y por su supuesta influencia sobre Adolf Hitler y el nazismo.

Wagner logró todo esto a pesar de una vida que se caracterizó, hasta sus últimas décadas, por el exilio político, relaciones amorosas turbulentas, pobreza y repetidas huidas de sus acreedores. Su agresiva personalidad y sus opiniones, con frecuencia demasiado directas, sobre la música, la política y la sociedad lo convirtieron en un personaje polémico, etiqueta que todavía mantiene. El impacto de sus ideas se puede encontrar en muchas de las artes del siglo XX.

Leé toda su biografía en :http://es.wikipedia.org/wiki/Richard_Wagner

Robert Schumann, celebridades de Géminis- Martha Argerich - Schumann Piano Concerto in A Minor

Robert Schumann (Zwickau, 8 de junio de 1810 - Endenich, Bonn, 29 de julio de 1856) fue un compositor alemán y un crítico de la música de la época del romanticismo. Es visto como uno de los más grandes y representativos compositores del romanticismo.

Tanto en su vida como en su obra refleja su máxima expresión la naturaleza del romanticismo, siempre envuelta en la pasión, el drama y, finalmente, la alegría. Une la ilustración literaria con una gran complejidad musical, creando obras de gran intensidad lírica.


Música instrumental
Piano solo

Op. 1 - Variaciones sobre el nombre "Abegg" (1830)
Op. 2 - Mariposas ("Papillons") (1829–1831)
Op. 3 - Estudios sobre los Caprichos de Paganini (1832)
Op. 4 - Intermezzi (1832)
Op. 5 - Impromptus (Sobre un tema de Clara Wieck) (1833)
Op. 6 - Davidsbündlertänze (Danzas de La Cofradía de David) (1837)
Op. 7 - Toccata (1832)
Op. 8 - Allegro in B minor (1831)
Op. 9 - Carnaval (1834–1835)
Op. 10 - 6 Estudios de Concierto sobre los Caprichos de Paganini (Libro II) (1833)
Op. 11 - Gran Sonata No. 1 en fa sostenido menor (1835)
Op. 12 - Fantasiestücke ("Fantasy Pieces")(1837)
Op. 13 - Estudios sinfónicos (1834)
Op. 14 - Gran Sonata No. 3 in fa menor, "Concierto sin Orquesta" (1835)
Op. 15 - Escenas de niños ("Kinderszenen") (1838)
Op. 16 - Kreisleriana (1838)
Op. 17 - Fantasía en do mayor (1836)
OP. 18 - Arabeske en do mayor (1839)
Op. 19 - Blumenstuck("Flower Piece") in re bemol mayor (1839)
Op. 20 - Humoresca en si bemol mayor (1839)
Op. 21 - Novelletten ("Novelettes") (1838)
Op. 22 - Sonata No. 2 en sol menor(1833–1835)
Op. 23 - Nueve Piezas ("Nachtstücke") (1839)
Op. 26 - Carnaval de Viena ("Carnival Jest from Vienna") (1839)
Op. 28 - Three Romances (1839)
Op. 32 - 4 Klavierstucke (Scherzo, Gigue, Romance and Fughette) (1838–39)
Op. 56 - Estudios en la forma de Canon para Órgan o Pedal Piano (1845)
Op. 58 - Esbozos para Órgano 0 Pedal Piano (1845)
Op. 60 - 6 Fugas sobre B–A–C–H para órgan o pedal piano (1845)
Op. 66 - "Pictures from the East" (6 Impromptus for piano a 4 manos) (1848)
Op. 68 - Álbum para la juventud (1848)
Op. 72 - 4 Fugas (Vier Fugen) (1845)
Op. 76 - 4 Marchas (Vier Märsche) (1849)
Op. 82 - Escenas en el Bosque (Waldszenen) (1848–1849)
Op. 85 - 12 Piezas para para jóvenes y niños mayores (12 Klavierstücke für kleine und große Kinder) (4 manos) (1849)
Op. 99 - Bunte Blätter (1836–1849)
Op. 109 - Scenes from a Ball ("Ball-Scenen") (4 manos) (1851)
Op. 111 - 3 Fantasiestücke (1851)
Op. 118 - 3 Sonatas para jóvenes(1853)
Op. 124 - Album Leaves ("Albumblätter") (1832–1845) (includye una pieza de WoO 31)
Op. 126 - 7 Piezas en forma de Fugueta (1853)
Op. 130 - Children's Ball ("Kinderball") (4 manos) (1853)
Op. 133 - Canciones para jóvenes ("Gesänge der Frühe") (1853)
WoO 24 - Variaciones en mi bemol mayor sobre un tema original (1854)
WoO 31 - Estudios en la forma de 3 variaciones sobre un tema de Beethoven (1831–32)

PARA VER EL RESTO DE SU MAGNÍFICA OBRA,IR A LA FUENTE :
http://es.wikipedia.org/wiki/Robert_Schumann